Les obres d’art que no són tan originals com es pensava

Les obres d’art que no són tan originals com es pensava

El següent és un extracte del llibre que acaba de publicar Matt Brown, Tot el que sabeu sobre art és incorrecte



Font, per Marcel Duchamp (1887–1968), es va crear el 1917. Per la seva forma, és senzill: res més que un urinari capgirat amb l'addició d'algunes marques de ploma al costat (R Mutt, 1917). En concepte, és molt més complex. En enviar el seu treball preparat a un saló d’art, Duchamp desafiava les nocions pròpies de què podia ser l’art, alhora que ens feia tornar a valorar la forma i la funció d’un objecte quotidià (quotidià, és a dir, a la meitat de la població).

Com a revista d’avantguarda El cec digueu-ho al moment: el fet que el senyor Mutt fes la font amb les seves pròpies mans o no no té cap importància. L’HA TRIAT. Va agafar un article de la vida, el va col·locar de manera que el seu significat útil desaparegués sota el nou títol i el nou punt de vista; va crear un nou pensament per a aquest objecte. L'orinal capgirat pot semblar simplista fins a la banalitat o la simple broma, però representa una revolució en el pensament artístic. Fountain ha estat votada diverses vegades entre les obres d'art més importants del segle XX.

I, tanmateix, ningú no ha vist l’original des de fa un segle.



Sí, podeu veure l’orinal a la Tate Modern de Londres. Allà es troba de nou al segon pis del Museu d’Art Modern de San Francisco. Hi ha un altre exemplar al Centre Pompidou de París. Fountain existeix en 15 versions diferents a tot el món, totes creades molts anys després de la peça original. Ningú sap què va passar amb l’orinari. Probablement es va llençar com a brossa poc després de la seva creació el 1917. Mai no es va exposar i poques persones van veure mai aquest artefacte humà més influent. Només queda una sola fotografia per demostrar que mai va existir. La propera vegada que escolteu que algú menysté l’orinal de Duchamp com “una càrrega d’escombraries que qualsevol persona hauria pogut fer”, ara podeu burlar-lo assenyalant que ni tan sols és l’original. *

Font de DuchampCortesia FHKE - Museu de San FranciscoArt Modern

La història il·lustra un costat intrigant de l’art, que no se sol considerar. Ens agrada pensar les obres creatives com a úniques, establertes per l’artista d’una vegada per sempre. Però una quantitat sorprenent d’art té més d’una forma d’existència. La pràctica de fer nombroses còpies d’una escultura o gravat (coneguda com a múltiple de l’artista) és habitual en l’art contemporani. Un dels exemples més elevadors de celles és Obra núm. 88 , un full de paper A4 arrugat en una bola per Martin Creed (nascut el 1968). L'artista va fer centenars de còpies d'aquesta obra (que no necessita més descripció) a mitjans dels anys noranta. En el moment d’escriure aquesta obra, una d’aquestes obres mestres està a la venda per 3.500 lliures més franqueig.



La idea de produir més d’una versió d’una obra no és cap novetat. El primer readymade de Duchamp: una pala per a neu a la venda amb el nom enigmàtic Avanç del braç trencat , també es va perdre. Ara existeix com a deu rèpliques. Les escultures sovint es projecten diverses vegades. L'obra més famosa d'Auguste Rodin (1840-1917), The Thinker, es pot veure a desenes de museus, des de Buenos Aires a Jakarta, amb almenys 25 només a Europa. El mateix artista El petó existeix en tres còpies de marbre a gran escala, nombrosos motlles de guix i centenars de motlles de bronze, i això només és una versió oficialment aprovada creada en vida de Rodin. *

Una escultura pot ser més senzilla de replicar, però les pintures també es poden duplicar o produir en diverses versions. És bastant habitual que un pintor faci còpies addicionals de la seva obra o produeixi una sèrie de variacions molt similars sobre un tema. Hi ha moltes raons. De vegades, una obra té tanta èxit que l’artista rep l’encàrrec de fer còpies posteriors. Altres vegades, el pintor només vol explorar un tema de maneres subtilment diferents.

Aquesta duplicació era habitual a l’època medieval, quan els artistes copiaven la mateixa escena bíblica per a diversos clients. La pràctica va continuar fins i després del Renaixement.

El pensador d'Auguste Rodin, bronze, modelat el 1880, reduït el 1903 (aquest exemple adata posterior)Cortesia de HIART - North Carolina Museumde l’art

Una Mare de Déu i el Nen del segle XV de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), per exemple, va ser pintada tantes vegades que es va poder reunir en un regiment. Es poden trobar arreu del món com a mínim 40 exemplars, alguns dels quals s'han modificat o actualitzat. Els retrats eren particularment propensos a la repetició. Tots els nobles voldrien penjar un retrat del rei o la reina per mostrar lleialtat o sicofania.

Els artistes posteriors continuarien la tradició. Prengui Gira-sols , de Vincent van Gogh (1853-1890). Si us digués que aquest famós llenç s’havia destruït al Japó durant la Segona Guerra Mundial, probablement no em creuríeu. Però és cert, almenys parcialment. Van Gogh va fer quatre estudis sobre les flors daurades, cadascun anomenat gira-sols, a l’estiu de 1888. Dues encara es poden veure a les galeries d’art d’Alemanya i Anglaterra, una es troba en una col·lecció privada i la quarta va ser cremada en cendra durant el 1945 Incursió nord-americana al Japó - casualment el mateix dia de la bomba d'Hiroshima. La collita de gira-sols genuïns de Van Gogh no s’atura aquí. L'artista va fer tres còpies properes de les primeres obres el gener de 1889. Ara es pengen a Filadèlfia, Amsterdam i Tòquio. Així doncs, l’obra coneguda arreu del món com Els gira-sols són en realitat set pintures diferents, sis de les quals encara sobreviuen.

La idea de produir més d’una versió d’una obra no és cap novetat: Matt Brown

No es tracta d’una situació única. L’obra més famosa d’Edvard Munch (1863-1944) The Scream existeix en quatre versions alternatives, dues de les quals són obres en pastel més que en pintura. I hi ha el curiós cas de Claude Monet (1840-1926) i el seu estany. L'artista francès va crear un famós quadre conegut com Lliris d'aigua el 1897. I de nou el 1903. I el 1904. I molts anys després. En total, existeixen unes 250 versions de Nenúfars, la majoria amb el mateix o similar títol.

Amb el pas del temps, fins i tot les rèpliques properes començaran a variar d’aspecte. Els pigments d’una pintura es poden esvair o aprofundir en exposar-se a la llum. Els canvis de temperatura formaran esquerdes a la superfície. La restauració pot alterar encara més els tons. Les pintures duplicades que inicialment són similars poden tenir un aspecte molt diferent segles després. Ho podeu veure a Leonardo Verge de les Roques , que penja tant al Louvre com a la National Gallery de Londres. Les dues versions es van pintar amb uns 20 anys de diferència, per raons que encara són fosques. Tenen una composició raonablement similar, però, gràcies a diverses tècniques de restauració, presenten colors i tons molt diferents.

El crit, 1910 deEdvard MunchCortesia de Google Art Project:Museu Munch

Fins i tot la Mona Lisa de Leonardo, aquella obra mestra única aparentment inatacable al Louvre, es pot trobar en versions alternatives. L’anomenada Mona Lisa d’Isleworth (que porta el nom del suburbi de Londres on residia una vegada) sembla una cosa d’un univers paral·lel. És una Mona Lisa bé. La senyora és clarament la mateixa asseguda, amb la mateixa postura. Tot i així, les galtes més plenes i els llavis més rosats suggereixen un tema més juvenil. Les pintures també difereixen en el fons. Isleworth Mona s’amaga entre dues columnes amb un paisatge inacabat al darrere, mentre que el seu germà més famós s’asseu davant d’un desert verd. També ha pintat sobre tela mentre que l’obra mestra del Louvre decora un plafó de fusta. L’origen d’aquesta versió alternativa és molt discutit. Alguns pensen que és obra del mateix Leonardo i pot ser anterior a la versió més celebrada. D’altra banda, podria ser simplement una còpia d’un dels alumnes de Leonardo, o d’una altra persona completament. El jurat continua fora.

Hi ha moltes, moltes més rèpliques de la Mona Lisa. La majoria són clarament poc autèntics i es van pintar després de la mort de Leonardo. Una còpia particularment important penja al Museo del Prado de Madrid, Espanya. Aquesta senyora té mànigues més brillants i es troba davant d’un fons muntanyós, però d’altra banda és molt familiar. També va ser rebutjada originalment com una còpia molt posterior. Una anàlisi més recent ha suggerit que podria ser l’obra del taller de Leonardo i que podria haver estat pintada al mateix temps que l’original per un dels estudiants del màster.

Aquests casos plantegen l’espinosa qüestió de l’atribució a l’art. Com hem vist, moltes pintures antigues han estat realitzades en diverses còpies. L’original podria ser en gran part obra del gran artista, però després podrien fer-ne còpies addicionals els seus alumnes o seguidors. Per això, sovint veiem quadres etiquetats com a seguidors de Rembrandt o del taller de Ticià. Les aigües poden quedar molt enfangades aquí. Molt sovint, un estudiant pot pintar la majoria d’un llenç, que després seria acabat pel mestre. O viceversa. Aleshores pot ser molt difícil definir l’autoria. Les atribucions són, per tant, dinàmiques. Les pintures que durant molt de temps es creia que eren obres de l’alumne d’un artista de vegades s’actualitzen al mateix mestre. Per contra, els historiadors de l’art poden degradar una pintura si apareixen noves proves, per a disgust de qui l’acaba de comprar en una subhasta.

Ens agrada pensar les obres creatives com a úniques, establertes per l’artista d’una vegada per sempre. Però una quantitat sorprenent d’art té més d’una forma d’existència: Matt Brown

Les peces d’art modern i contemporani també plantegen qüestions d’autoria i autenticitat. El vídeo art, per exemple, es pot copiar i mostrar fàcilment en molts llocs alhora. Això planteja desafiaments per als curadors i col·leccionistes. Les obres escultòriques fan servir cada vegada més peces mòbils, electrònica i pantalles visuals. Aquests, inevitablement, es trencaran en algun moment. Segueix sent la mateixa il·lustració si substituïu el monitor, canvieu un servo o actualitzeu un sistema operatiu?

Fins i tot les escultures minimalistes són propenses a aquests signes d’interrogació. La notòria obra de Carl Andre (nascuda el 1935) del 1966 Equivalent VIII físicament no comprèn res més que un conjunt de 120 maons, disposats en un rectangle al terra. Aquesta composició aparentment inofensiva va provocar un rebombori el 1976, quan la Tate la va adquirir amb fons públics. La pèrdua de diners va fer fumar els diaris i va encendre un enfadat debat sobre la direcció de l'art contemporani. Potser són més interessants dues notes a peu de pàgina en aquest furor que l’art en si. La primera és que la peça comprada per la Tate no era l’original. Igual que amb l’urinari de Duchamp, Andre feia temps que va separar-se dels maons del 1966 i va haver de recrear la seva instal·lació amb un nou joc. En segon lloc, la Tate es va trobar més tard intentant obtenir nous maons de reemplaçament, després que un manifestant va desbancar la feina amb tint.

Després d'un període d'emmagatzematge, Equivalent VIII torna a mostrar-se a la Tate Modern. Els visitants no es limiten a mirar una pila de maons, sinó a una pila de maons que van substituir una pila de maons anterior, que després es van substituir parcialment, es van desmuntar, es van emmagatzemar i es van tornar a muntar. El que va començar com una simple pila de materials de construcció feixucs ara ens pot portar a un viatge intel·lectual cap al significat de la identitat i la permanència dels objectes. Potser no és bonic, però l’equivalent VIII provoca més reflexions sobre la naturalesa de l’art que molts llenços fins.

* Per descomptat, el més intel·lectual la resposta seria anomenar-la una obra d’art conceptual pionera. 'No importa si l'objecte no és bell ni està ben elaborat', es podria dir. ‘És important la idea que hi ha al darrere. Tampoc ens hauria de preocupar una figa si només és una rèplica. És la idea que és original i l’objecte físic que tenim davant no té cap importància. ’Però, on és la diversió?

* El registre absolut de l'obra d'art clàssic més reproduïda és probablement el Naixement de Venus de Sandro Botticelli (1445-1510), aquella famosa representació de la deessa nua posada precàriament sobre una petxina de vieira. Una còpia de l’obra (el cap, com a mínim) apareix al revers de la moneda italiana de 10 cèntims i, per tant, la transporten milions de persones. Altres monografies famoses apareixen a la resta de monedes: per exemple, l'home vitruvià de Leonardo (1452-1519) guarda la moneda d'1 euro, mentre que el de 2 euros porta el retrat de Rafael (1483-1520) de Dante Alighieri (tot i que són encunyades en petites quantitats). Depenent de la vostra definició d’art, obres més recents, com el retrat de la reina Isabel II en moneda britànica i del Commonwealth, o fins i tot el disseny d’una llauna de Coca-Cola, podrien reclamar una difusió encara més àmplia.

Extret de Tot el que saps sobre l’art és incorrecte de Matt Brown, publicat per Batsford. Il·lustracions de Sara Mulvanny

Tot el que saps sobre l’art és incorrecte de Matt Brown, publicatde Batsford.Il·lustracions deSara Mulvanny